Postmodernizm w sztuce. Encyklopedia szkolna Czym jest postmodernizm

Niektórzy badacze kojarzą pojawienie się literackiego postmodernizmu z publikacją Finnegans Wake J. Joyce'a (1939). Charakterystyczne cechy postmodernizmu przejawiają się w pracach D. Barthelma („Wróć, dr Caligari”, „Życie w mieście”), R. Federmana („Wedle uznania”), W. Eco („Imię Rose”, „Wahadło Foucaulta”), M Pavich („Słownik chazarski”). Do fenomenu rosyjskiego postmodernizmu należą m.in. prace A. Żołkowskiego, Bezkresny ślepy zaułek D. Galkowskiego, Idealna księga Maxa Fry'a.

Postmodernizm wywarł wielki wpływ na sztukę filmową. Masowej publiczności znane jest kinematografia postmodernistyczna, w szczególności z twórczości amerykańskich reżyserów filmowych V. Allena („Miłość i śmierć”, „Rozszyfrowanie Harry'ego”), K. Tarantino („Pulp Fiction”, „Od zmierzchu do świtu” ). Filmy nieżyjącego już J.L. Godarda („Pasja”, „Historia kina”) są przykładem „intelektualnego” postmodernizmu.

W sztukach wizualnych i teatralnych wpływ postmodernizmu wyraża się w likwidacji dystansu między aktorami (dziełem sztuki) a widzem, w maksymalnym zaangażowaniu widza w koncepcję dzieła, w rozmyciu linii między rzeczywistością a fikcją. W sztuce postmodernistycznej rozkwitają różne akcje („akcja”): performance, happening itp.

Duch postmodernizmu nadal przenika do wszystkich sfer ludzkiej kultury i życia. Utopijne dążenia dawnej awangardy zastąpiła bardziej samokrytyczna postawa sztuki wobec samej siebie, walka z tradycją - współistnienie z nią, fundamentalny pluralizm stylistyczny. Postmodernizm, odrzucając racjonalizm „stylu międzynarodowego”, zwrócił się ku wizualnym cytatom z historii sztuki, ku unikatowości otaczającego krajobrazu, łącząc to wszystko z najnowszymi osiągnięciami techniki budowlanej.

„STYL MIĘDZYNARODOWY” w architekturze ser. XX wiek, trend zmierzający do ścisłego racjonalizmu L. Mies van der Rohe. Geometryczne konstrukcje z metalu, szkła i betonu „międzynarodowego stylu” wyróżniają się elegancją, wysoką techniczną perfekcją, jednak szczególnie przy masowym kopiowaniu jej próbek pomijały oryginalność lokalnych krajobrazów i historycznych budowli (np. beztwarzowe równoległościany). hoteli Hilton, identycznych w każdym miejscu na świecie). Krytyka stylu międzynarodowego była najważniejszym bodźcem do kształtowania się postmodernizmu architektonicznego.

Sztuka wizualna postmodernizmu (którego pop-art stał się wczesnym pograniczem) głosił hasło „sztuki otwartej”, swobodnie współgrającej ze wszystkimi starymi i nowymi stylami. W tej sytuacji dawna konfrontacja tradycji z awangardą straciła sens.

Odrębni prekursorzy postmodernizmu powstawali niejednokrotnie wśród dawnej awangardy (np. w dadaizmie), ale pierwszym przełomowym pograniczem stylistycznym był postmodernizm w architekturze (która przeciwstawiała różne ironiczne dialogi z tradycją czystemu funkcjonalizmowi), a także pop-art .

FUNKCJONALIZM, kierunek w architekturze XX wieku, wymagający ścisłej zgodności budynków i budowli z zachodzącymi w nich procesami (funkcjami) produkcyjnymi i gospodarczymi. Funkcjonalizm powstał w Niemczech (szkoła Bauhaus) i Holandii (JJP Oud); pod wieloma względami poszukiwania konstruktywizmu w ZSRR są podobne. Wykorzystując zdobycze techniki budowlanej, funkcjonalizm dał rozsądne metody i normy planowania zespołów mieszkaniowych (standardowe przekroje i kwartały, „liniowe” budowanie kwartałów z końcami budynków zwróconymi do ulicy).

POP ART (angielski pop-art, skrót od sztuki popularnej - sztuka publiczna), modernistyczny ruch artystyczny, który powstał w drugiej połowie. 1950 w USA i Wielkiej Brytanii. Odrzucając utarte metody malarstwa i rzeźby, pop-art kultywuje rzekomo przypadkowe, często paradoksalne zestawienie gotowych przedmiotów codziennego użytku, mechanicznych kopii (fotografii, modelu, reprodukcji), fragmentów publikacji drukowanych masowo (reklama, grafika przemysłowa, komiksy itp.). .).

Tu i nieco później w sztuce wideo i fotorealizmie usunięto wszelkie pozostałości dawnych tabu estetycznych, wszelkie rozróżnienia na „wysokie” i „niskie”, zwyczajowo piękne i zwyczajowo brzydkie.

VIDEOART (angielska sztuka wideo), kierunek w sztuce ostatniej połowy XX wieku, wykorzystujący możliwości technologii wideo. W przeciwieństwie do samej telewizji, która ma być emitowana do masowego odbiorcy, sztuka wideo wykorzystuje odbiorniki telewizyjne, kamery i monitory w wyjątkowych happeningach, a także produkuje filmy eksperymentalne w duchu sztuki konceptualnej, które są pokazywane w specjalnych przestrzeniach wystawienniczych. Za pomocą nowoczesnej elektroniki pokazuje niejako „mózg w działaniu”, jasną drogę od artystycznego pomysłu do jego urzeczywistnienia. Za głównego założyciela kierunku uważa się Amerykanina koreańskiego pochodzenia Nam Yun Paik.

HIPERREALIZM (fotorealizm), nurt w sztukach wizualnych ostatniej połowy XX wieku, łączący ostateczną naturalność obrazów z efektami ich dramatycznego wyobcowania. Malarstwo i grafika są tu często porównywane do fotografii (stąd jej druga nazwa), rzeźba to naturalistycznie stonowane odlewy z żywych postaci. Wielu mistrzów hiperrealizmu (np. malarze C. Close i R. Estes, rzeźbiarze J. de Andrea, D. Hanson w USA) zbliża się do pop-artu z jego parodiami dokumentu fotograficznego i reklamy komercyjnej; inne bezpośrednio kontynuują linię realizmu magicznego, zachowując bardziej tradycyjne struktury kompozycji sztalugowej.

Dawne środki wyrazu (czyli tradycyjne rodzaje malarstwa, grafiki, rzeźby itp.) weszły w bezprecedensowy bliski związek z nowymi technicznymi środkami twórczości (oprócz fotografii i kina, nagrania wideo, elektronicznego dźwięku, światła i kolorową), przejawiającą się przede wszystkim w pop-artu i kinetyzmie. Ta elektroniczno-estetyczna synteza osiągnęła szczególną złożoność w „wirtualnych obrazach” najnowszej generacji urządzeń komputerowych.

Sztuka happeningu odnowiła relacje sztuk wizualnych z teatrem.

HAPPENING (ang. happening, from a zdarza się - zdarza się, pojawia się), kierunek w postmodernizmie, który przesunął się od tworzenia obiektów estetycznych do dzieł-procesów, czyli do „zdarzeń artystycznych” realizowanych albo przez samego artystę, albo przez asystenci i widzowie działający według jego planu jest to również nazwa tego wydarzenia roboczego lub „działania” (ang. action). Jej prekursorami były celowo tajemnicze, „zawiłe”, czasem skandaliczne działania artystów i poetów futuryzmu, dadaizmu, grupy OBERIU, która często towarzyszyła ich publicznym występom.

Happeningi, ściśle związane w duchu z teatrem absurdu, mogą być rodzajem mikrospektakli z elementami fabuły i skomplikowanymi rekwizytami lub bardziej abstrakcyjnymi, rytmicznymi, dynamicznymi lub stabilnymi kompozycjami. Niezmiennie akcentują one wolną „przestrzeń gry”, którą musi odczuć widz-wspólnik. Szczególną popularność zyskały od czasu pojawienia się pop-artu i sztuki konceptualnej, często zawierające elementy wideo-artu, feminizmu, towarzyszące różnym ruchom społeczno-politycznym i ekologicznym jako propaganda wizualna. Happening jest ściśle związany z body artem i performancem, które często są z nim utożsamiane.

Wreszcie sztuka konceptualna, jako najważniejszy etap ponowoczesności, obok pop-artu, reprezentowana przez twórczość „czystych” idei, otworzyła nowe możliwości dialogu wizualnych i werbalnych form kultury artystycznej.

SZTUKA KONCEPTUALNA, konceptualizm, rodzaj postmodernizmu, który rozwinął się pod koniec lat sześćdziesiątych. i postawiła sobie za cel przejście od dzieł materialnych do tworzenia mniej lub bardziej wolnych od materialnego ucieleśnienia idei artystycznych (lub tzw. koncepcji). Twórczość pojmowana jest tu jako zbliżona duchem do happeningów i performansów, ale w przeciwieństwie do nich proces wciągania widza w grę takich pojęć, utrwalony w stabilnej ekspozycji. Te ostatnie mogą być reprezentowane przez fragmenty informacji tekstowych i wizualnych w postaci wykresów, diagramów, liczb, formuł i innych struktur wizualno-logicznych lub (w bardziej zindywidualizowanych wersjach sztuki konceptualnej) w postaci napisów i diagramów, które deklaratywnie opowiadać o intencjach artysty.

Badacze zwracają uwagę na dwoistość sztuki postmodernistycznej: utratę dziedzictwa europejskich tradycji artystycznych i nadmierne uzależnienie od kultury kina, mody i grafiki komercyjnej, a z drugiej strony sztuka postmodernistyczna prowokuje ostre pytania, domagając się nie mniej ostrych odpowiedzi i dotykając najbardziej palących problemów moralnych, co całkowicie pokrywa się z pierwotną misją sztuki jako takiej (Taylor, 2004).

Sztuka postmodernistyczna porzuciła próby stworzenia uniwersalnego kanonu o ścisłej hierarchii wartości i norm estetycznych. Jedyną niepodważalną wartością jest nieograniczona wolność wypowiedzi artysty, oparta na zasadzie „wszystko jest dozwolone”. Wszystkie inne walory estetyczne są względne i warunkowe, nie są konieczne do stworzenia dzieła sztuki, co umożliwia potencjalną uniwersalność sztuki postmodernistycznej, jej zdolność do objęcia całej palety zjawisk życiowych, ale też często prowadzi do nihilizmu, auto- woli i absurdu, dopasowując kryteria sztuki do twórczej wyobraźni artysty zacierając granice między sztuką a innymi dziedzinami życia.

Baudrillard widzi istnienie sztuki współczesnej w ramach opozycji umysłu i elementów nieświadomości, porządku i chaosu. Twierdzi, że umysł w końcu stracił kontrolę nad irracjonalnymi siłami, które zdominowały współczesną kulturę i społeczeństwo (Baudrillard, 1990). Według Baudrillarda, nowoczesne technologie komputerowe przekształciły sztukę ze sfery symboli i obrazów, które mają nierozerwalny związek z prawdziwą rzeczywistością w sferę niezależną, wirtualną, wyobcowaną z prawdziwej rzeczywistości, ale nie mniej spektakularną w oczach konsumentów niż prawdziwa rzeczywistość i zbudowany na niekończącym się samokopiowaniu.

Obecnie można już mówić o postmodernizmie jako ustalonym stylu sztuki, posiadającym własne cechy typologiczne.

Podstawową cechą takiej sztuki jest posługiwanie się gotowymi formami. Pochodzenie tych gotowych form nie ma fundamentalnego znaczenia: od użytkowych przedmiotów domowych wyrzuconych na śmietnik lub kupionych w sklepie, po arcydzieła sztuki światowej (nieważne, czy to paleolit, czy późna awangarda). Sytuacja zapożyczeń artystycznych po symulację zapożyczania, remake'u, reinterpretacji, patchworku i replikacji, dodawania dzieł klasycznych od siebie, dodanych pod koniec lat 80.-90. do tych charakterystycznych cech "nowej sentymentalizmu" - oto treść sztuka epoki ponowoczesnej.

Postmodernizm odnosi się do skończonego, przeszłości, która już się wydarzyła, aby nadrobić brak własnej treści. Postmodernizm demonstruje swój skrajny tradycjonalizm i przeciwstawia się nietradycyjnej sztuce awangardy. „Artysta naszych czasów nie jest producentem, ale zawłaszczaczem (właścicielem)… od czasów Duchampa wiemy, że współczesny artysta nie produkuje, ale selekcjonuje, łączy, przenosi i umieszcza w nowym miejscu… Innowacje kulturowe są dziś realizowane jako adaptacja tradycji kulturowej do nowych okoliczności życia, nowych technologii prezentacji i dystrybucji lub nowych stereotypów postrzegania” (B. Groys).

Epoka ponowoczesna obala postulaty, które do niedawna wydawały się niewzruszone, że „…tradycja się wyczerpała i że sztuka powinna szukać innej formy” (Ortega y Gasset) – manifestacja we współczesnej sztuce eklektyzmu jakiejkolwiek formy tradycji, ortodoksja i awangarda. „Cytowanie, symulacja, ponowne zawłaszczenie - to wszystko nie tylko terminy sztuki współczesnej, ale jej istota” - (J. Baudrillard).

Koncepcja Baudrillarda opiera się na stwierdzeniu nieodwracalnej deprawacji całej kultury zachodniej (Baudrillard, 1990). Baudrillard stawia na sztukę współczesną apokaliptyczną wizję, według której stając się pochodną nowoczesnej technologii, bezpowrotnie straciła kontakt z rzeczywistością, stała się strukturą niezależną od rzeczywistości, przestała być autentyczna, kopiując własne dzieła i tworząc. kopie kopii, symulakry symulakrów, jako kopie bez oryginałów, stając się wypaczoną formą prawdziwej sztuki.

Śmierć sztuki współczesnej nie jest dla Baudrillarda końcem sztuki w ogóle, ale śmiercią twórczej istoty sztuki, jej niezdolności do stworzenia czegoś nowego i oryginalnego, podczas gdy sztuka jako niekończące się samopowtarzanie form trwa nadal. istnieją (Baudrillard, 1990).

Argumentem na rzecz apokaliptycznego punktu widzenia Baudrillarda jest twierdzenie o nieodwracalności postępu technicznego, który przeniknął do wszystkich sfer życia publicznego i wymknął się spod kontroli i uwolnił w człowieku elementy nieświadomości i irracjonalności.

W ponowoczesności zapożyczony materiał ulega nieznacznym modyfikacjom, coraz częściej jest wydobywany z naturalnego środowiska lub kontekstu i umieszczany w nowym lub nietypowym miejscu. To jest jego głęboka marginalność. Każda forma codzienna czy artystyczna jest przede wszystkim „… dla niego tylko źródłem budulca” (V. Brainin-Passek).

Spektakularne dzieła Mersada Berbera z wtrąceniami skopiowanych fragmentów malarstwa renesansowego i barokowego, muzyka elektroniczna będąca ciągłym strumieniem gotowych fragmentów muzycznych połączonych „streszczeniami DJ-skimi”, kompozycje Louise Bourgeois z krzeseł i paneli drzwiowych, Lenina i Mickeya Mysz w dziele Sots Art - wszystko to typowe przejawy codzienności sztuki postmodernistycznej.

Paradoksalne przemieszanie stylów, nurtów i tradycji w sztuce ponowoczesnej pozwala badaczom widzieć w niej nie „świadectwo agonii sztuki, ale twórczy grunt dla formowania się nowych zjawisk kulturowych istotnych dla rozwoju sztuki i kultury” (Morawski, 1989: 161).

Postmodernizm na ogół nie rozpoznaje patosu, ironizuje otaczający go świat lub siebie, ratując się tym samym przed wulgarnością i uzasadniając swoją pierwotną wtórną naturę.

Ironia to kolejny typologiczny znak kultury postmodernistycznej. Awangardowemu podejściu do nowości przeciwstawia się chęć włączenia do sztuki współczesnej całego światowego doświadczenia artystycznego w formie ironicznego cytatu. Umiejętność swobodnego manipulowania dowolnymi gotowymi formami, a także stylami artystycznymi z przeszłości w sposób ironiczny, odwołujący się do ponadczasowych wątków i odwiecznych wątków, co do niedawna było nie do pomyślenia w sztuce awangardowej, pozwala skupić się na ich anomalny stan we współczesnym świecie. Podobieństwo postmodernizmu dostrzega się nie tylko w kulturze masowej i kiczu. O wiele bardziej uzasadnione jest powtórzenie widocznego w postmodernizmie eksperymentu socrealizmu, który dowiódł owocności wykorzystania, syntetyzującego doświadczenia najlepszej światowej tradycji artystycznej.

W ten sposób ponowoczesność dziedziczy po syntezie socrealizmu lub synkretyzmie jako cecha typologiczna. Co więcej, jeśli w socrealistycznej syntezie różnych stylów zachowana jest ich tożsamość, czystość cech, separacja, to w postmodernizmie widać stop, dosłowną fuzję różnych cech, technik, cech różnych stylów, reprezentujących nową formę autorską. . Jest to bardzo charakterystyczne dla postmodernizmu: jego nowością jest fuzja starego, dawnego, już wykorzystanego, użytego w nowym kontekście marginalnym. Wszelkie praktyki postmodernistyczne (kino, literatura, architektura czy inne formy sztuki) nacechowane są aluzjami historycznymi.

Gra jest fundamentalną cechą postmodernizmu jako odpowiedź na wszelkie hierarchiczne i totalne struktury w społeczeństwie, języku i kulturze. Czy to Wittgensteinowskie „gry językowe” (Wittgenstein, 1922), czy też gra autora z czytelnikiem, gdy autor występuje we własnym dziele jako np. bohater powieści Borgesa „Borges i ja”, czy też autor powieści „Śniadanie dla mistrzów” K. Vonneguta. Gra zakłada wielowariantowość zdarzeń, wykluczając determinizm i totalność, a ściślej mówiąc, włączenie ich jako jednej z opcji, jako uczestników gry, gdzie wynik gry nie jest z góry określony. Przykładem postmodernistycznej gry są prace W.Eko czy D.Fowlesa.

Integralnym elementem ponowoczesnej gry jest jej dialogizm i karnawał, kiedy świat przedstawiany jest nie jako samorozwój Ducha Absolutnego, pojedyncza zasada jak w koncepcji Hegla, ale jako polifonia „głosów”, dialog „ pierwotne zasady”, które zasadniczo są do siebie nieredukowalne, ale wzajemnie się uzupełniają i ujawniają się poprzez siebie nie jako jedność i walka przeciwieństw, ale jako symfonia „głosów”, bez siebie niemożliwych. Nie wykluczając niczego, postmodernistyczna filozofia i sztuka uwzględniają model heglowski jako jeden z równych wśród równych głosów. Pojęcie dialogu Levinasa (Levinas, 1987), teoria polilogu Y. Kristevej (Kristeva, 1977), analiza kultury karnawałowej, krytyka struktur monologu oraz koncepcja rozmieszczenia dialogu M. Bachtina (Bachtin, 1976) mogą służyć jako przykład postmodernistycznej wizji świata.

Krytyka postmodernizmu ma charakter totalny (pomimo tego, że postmodernizm neguje jakąkolwiek totalność) i należy zarówno do zwolenników sztuki nowoczesnej, jak i jej wrogów. Śmierć postmodernizmu została już zapowiedziana (takie szokujące wypowiedzi za R. Barthesem, który ogłosił „śmierć autora”, stopniowo stają się powszechnym frazesem), postmodernizm nabrał cech kultury z drugiej ręki.

Powszechnie przyjmuje się, że w ponowoczesności nie ma nic nowego (Groys), jest to kultura bez własnej treści (Krivtsun), a więc wykorzystująca jako budulec wszelkiego rodzaju wcześniejsze osiągnięcia (Brainin-Passek), co oznacza, że ​​jest syntetyczna a przede wszystkim zbliżona w budowie do socrealizmu (Epstein), a więc głęboko tradycyjna, wychodząca z założenia, że ​​„sztuka jest zawsze ta sama, zmieniają się tylko pewne metody i środki wyrazu” (Turchin). Sztuka współczesna straciła kontakt z rzeczywistością, straciła swoją funkcję reprezentacyjną i przestała w najmniejszym stopniu odzwierciedlać otaczającą nas rzeczywistość (Martindale, 1990). Sztuka współczesna, utraciwszy kontakt z rzeczywistością, skazana jest na niekończące się samopowtarzanie i eklektyzm (Adorno, 1999).

Z tego powodu niektórzy badacze spierają się o „śmierć sztuki”, „koniec sztuki” jako integralne zjawisko o wspólnej strukturze, historii i prawach (Danto, 1997). Oddzielenie sztuki współczesnej od rzeczywistości, klasyczne wartości estetyczne, zamknięcie jej w sobie, zatarcie jej granic – prowadzi do końca sztuki jako samodzielnej sfery życia (Kuspit, 2004). Niektórzy badacze widzą wyjście z impasu semantycznego w twórczości „nowych starych mistrzów”, łączących w swojej twórczości tradycję artystyczną z nowatorskimi metodami realizacji koncepcji artystycznej (Kuspit, 2004).

Przyjmując w dużej mierze uzasadnioną krytykę takiego zjawiska kulturowego, jakim jest postmodernizm, warto zwrócić uwagę na jego zachęcające walory. Postmodernizm rehabilituje dotychczasową tradycję artystyczną, a jednocześnie realizm, akademizm, klasyka, aktywnie negowana przez cały XX wiek, służy jako uniwersalna eksperymentalna platforma twórcza, otwierająca możliwość tworzenia nowych, często paradoksalnych stylów i trendów, umożliwia oryginalne przemyślenie klasycznych wartości estetycznych i ukształtowanie nowego paradygmatu artystycznego w sztuce.

Postmodernizm udowadnia swoją witalność, pomagając zjednoczyć przeszłość kultury z jej teraźniejszością. Odrzucając szowinizm i nihilizm awangardy, różnorodność form, którymi posługuje się postmodernizm, potwierdza jego gotowość do komunikacji, dialogu, osiągania konsensusu z każdą kulturą i zaprzecza wszelkiej totalności w sztuce, co niewątpliwie powinno poprawić klimat psychologiczny i twórczy w społeczeństwa i przyczyni się do rozwoju odpowiednich form sztuki epoki, dzięki czemu „...odległe konstelacje kultur przyszłości staną się także widoczne” (F. Nietzsche).

Postmodernizm szybko zastąpił najnowszy modernizm i jest antytezą tego dość niezwykłego okresu, który we wszystkich dziedzinach twórczości odchodzi w przeszłość. Formy twórczości otrzymały zabawną, a nawet sarkastyczną formę, jednocześnie niwelując różnicę między masowym konsumentem a elitą społeczeństwa. Różni się znacznie od modernizmu tym, że ma klasyczne i tradycyjne motywy i nuty, a także jest rewizja tradycyjnych poglądów.

Filozofia postmodernizmu

U podstaw tego kierunku leży nie tyle „nowe motywy”, ile wyraźne wątpliwości co do poprawności przestarzałych tradycji w sztuce. Na tle niemożliwości obiektywności wiedzy, a także braku różnych kryteriów rzetelności, powstaje jasno wyrażona wątpliwość dotycząca prawd pozytywnych, postaw czy przekonań.

Filozoficzne motywy postmodernizmu zmierzają do zbliżenia nie z dziedzinami działalności naukowej, ale ze sztuką. Postmoderniści starają się wyrazić względność wszelkich wartości, jakie istnieją w życiu oraz iluzoryczność postrzeganego świata. Ponadto kładzie się nacisk na nieograniczone możliwości badań naukowych.

Należy zauważyć, że jeśli modernizm pozycjonuje się jako całkowite przeciwieństwo sztuki tradycyjnej, to już postmodernizm łączy zarówno tradycyjne, jak i najnowsze trendy i motywy. Jednocześnie kierunek ten nadal oznacza całkowite odrzucenie racjonalizmu i uniwersalizmu.

Postmodernizm często charakteryzuje się otwartością i fragmentacją struktur semantycznych i form oraz zabawnymi, chaotycznymi motywami. W rzeczywistości jest to nieklasyczna interpretacja tradycyjnych wątków i motywów z wykorzystaniem elementów antysystematycznych i adogmatycznych oraz konstrukcji linii fabularnych.

(Domy sześcianowe, postmodernizm w architekturze)

Labirynt i kłącze można przytoczyć jako symbole epoki, które, nawiasem mówiąc, wyrażają stanowisko filozofów i myślicieli postmodernizmu. Mieszanie twórczości i sztuki z nurtami i motywami naukowymi jest istotne, a dążenie autorów do oryginalności ich twórczości doprowadziło do rewizji klasycznych stanowisk dotyczących tworzenia i procesu destrukcji oraz koncepcji porządku i chaos.

Postmodernizm w malarstwie

W malarstwie kierunek ten pojawił się nieco później niż w architekturze. Rozwijał się jednak dość szybko i już w latach 80. XX wieku odbyło się jednocześnie kilka wielkoformatowych wystaw prac różnych artystów tego gatunku. Autorzy często wykorzystywali metody aplikacji do konstruowania artefaktów w sztuce, a obrazowi wyeksponowano wszystko, od samych ludzi i natury, po Wszechświat i kosmiczną tematykę obrazów.

Charakterystyczne cechy tego stylu:

• obecność w kompozycji gotowej formy, która ostro odróżnia postmodernizm od modernizmu;
• zapożyczenie klasycznych obrazów i tradycji, ale nadanie im nowych interpretacji;
• kombinacja form, dość wyraźna ironiczna nuta w obrazach;
• całkowity brak jakichkolwiek ścisłych zasad i wolności wypowiedzi.

To właśnie wolność wypowiedzi staje się doskonałą podstawą do znajdowania świeżych kreatywnych pomysłów i oryginalnych myśli. W malarstwie nurt nie posiada żadnych cech bardzo charakterystycznych w technice malarskiej, ale jednocześnie jest największym i najpopularniejszym dziś w świecie artystów.

Postmodernizm w sztuce teatralnej

Przedstawienia teatralne w stylu postmodernizmu pojawiły się w drugiej połowie XX wieku i wykorzystywały te same motywy filozoficzne, które są charakterystyczne dla malarstwa czy literatury tego kierunku. Kierunek łączy kilka elementów jednocześnie:

• dekonstrukcja obrazów;
• ironia, wyraz sarkazmu;
• cytat klasyczny;
• demonstracja śmierci autora.

Styl ten charakteryzuje się dość silnym odwrotem od rozgłosu do kategorii elitaryzmu. Taki teatr przenosi się do małych, często improwizowanych miejsc, a spektakle często przybierają formę instalacji. Jednocześnie aktywny rozwój techniki odcisnął swoje piętno także na rozwoju sztuki teatralnej, a to prowadzi do pojawienia się odpowiednich rekwizytów i obrazów.

Postmodernizm w malarstwie to nowoczesny nurt w sztukach pięknych, który pojawił się w XX wieku i jest dość popularny w Europie i Ameryce.

Postmodernizm

Sama nazwa tego stylu jest tłumaczona jako „po nowoczesności”. Ale postmodernizmu nie można postrzegać tak jednoznacznie. To nie tylko kierunek w sztuce - to wyraz ludzkiego światopoglądu, stan umysłu. Postmodernizm to sposób na wyrażenie siebie. Główne cechy tego stylu to sprzeciw wobec realizmu, zaprzeczenie normom, użycie gotowych form, ironia.

Postmodernizm powstał jako sposób na przeciwstawienie się nowoczesności. Styl ten rozkwitł w drugiej połowie XX wieku. Termin „postmodernizm” został po raz pierwszy użyty w 1917 roku w artykule krytykującym teorię nadczłowieka Nietzschego.

Koncepcje postmodernizmu są następujące:

• To efekt polityki i ideologii neokonserwatywnej, które nacechowane są eklektyzmem, fetyszyzmem.
• Umberto Eco (o którym będzie mowa poniżej) określił ten gatunek jako mechanizm, który służy do zmiany jednej epoki w kulturze na drugą.
• Postmodernizm to sposób na przemyślenie przeszłości, bo nie da się jej zniszczyć.
• To wyjątkowy okres, który opiera się na szczególnym zrozumieniu świata.
• H. Leten i S. Suleiman uważali, że postmodernizmu nie można uznać za integralne zjawisko artystyczne.
• To epoka, której główną cechą było przekonanie, że umysł jest wszechmocny.

Postmodernizm w sztuce

Po raz pierwszy styl ten przejawiał się w dwóch rodzajach sztuki – postmodernizmie w malarstwie i literaturze. Pierwsze nuty tego kierunku pojawiły się w powieści Hermanna Gassego „Wilk stepowy”. Ta książka jest książką desktopową dla przedstawicieli subkultury hipisowskiej. W literaturze przedstawicielami nurtu „postmodernizmu” są tacy pisarze jak: Umberto Eco, Tatiana Tolstaya, Jorge Borges, Victor Pelevin. Jedną z najsłynniejszych powieści w tym stylu jest Imię róży. Autorem tej książki jest Umberto Eco. W sztuce filmowej pierwszym filmem stworzonym w stylu postmodernistycznym był film Freaks. - horrory. Najjaśniejszym przedstawicielem postmodernizmu w kinie jest Quentin Tarantino.

Styl ten nie próbuje tworzyć żadnych uniwersalnych kanonów. Jedyną wartością jest tutaj wolność twórcy i brak ograniczeń w wyrażaniu siebie. Główną zasadą postmodernizmu jest „wszystko jest dozwolone”.

Sztuka

Postmodernizm w malarstwie XX wieku głosił swoją główną ideę - nie ma szczególnej różnicy między kopią a oryginałem. Artyści postmodernistyczni z powodzeniem demonstrowali tę ideę w swoich obrazach – tworząc je, a następnie przemyślejąc, przekształcając to, co już wcześniej powstało.

Postmodernizm w malarstwie powstał na bazie modernizmu, który niegdyś odrzucał klasykę, wszystko akademickie, ale w końcu sam przeszedł do kategorii sztuki klasycznej. Malowanie osiągnęło nowy poziom. W efekcie nastąpił powrót do okresu poprzedzającego modernizm.

Rosja

Postmodernizm w malarstwie rosyjskim rozkwitł w latach 90. XX wieku. Najjaśniejszymi w tym kierunku sztuk pięknych byli artyści z grupy twórczej „Własne”:

• A. Menu.
• Hiper Pupper.
• M. Tkaczew.
• Maksyutina.
• A. Podobed.
• P. Wieszczew.
• S. Nosowej.
• D. Dudnika.
• M. Kotlina.

Grupa twórcza „SVOI” to jeden organizm, złożony z różnych artystów.

Rosyjski postmodernizm w malarstwie jest w pełni zgodny z podstawową zasadą tego nurtu.

Artyści, którzy pracowali w tym gatunku

Najsłynniejsi przedstawiciele postmodernizmu w malarstwie:

• Josepha Beuysa.
• Ubaldo Bartoliniego.
• V. Komara.
• Francesco Klemensa.
• A. Melamid.
• Mikołaja z Marii.
• M. Merza.
• Sandro Chia.
• Omara Gallianiego.
• Carlo Marii Marianiego.
• Luigiego Ontaniego.
• Przeszłość Paladino.

Joseph Beuys

Ten niemiecki artysta urodził się w 1921 roku. Joseph Beuys jest wybitnym przedstawicielem nurtu „postmodernizmu” w malarstwie. Obrazy i dzieła sztuki tego artysty starają się eksponować we wszystkich muzeach sztuki współczesnej. Talent Josefa do rysowania ujawnił się w dzieciństwie. Od najmłodszych lat zajmował się malarstwem i muzyką. Wielokrotnie odwiedzał pracownię artysty Achillesa Murtgata. Jeszcze jako uczeń J. Beuys przeczytał wiele książek o biologii, sztuce, medycynie i zoologii. Od 1939 roku przyszły artysta łączył naukę w szkole z pracą w cyrku, gdzie opiekował się zwierzętami. W 1941 roku, po ukończeniu szkoły, zgłosił się na ochotnika do Luftwaffe. Najpierw służył jako radiooperator, a następnie został tylnym strzelcem bombowca. W czasie wojny Josef dużo malował i zaczął poważnie myśleć o karierze artystycznej. W 1947 J. Beuys wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych, gdzie później uczył i otrzymał tytuł profesora. W 1974 otworzył Wolny Uniwersytet, do którego każdy mógł wejść na studia bez ograniczeń wiekowych i bez egzaminów wstępnych. Jego obrazy składały się z rysunków akwarelowych i ołowianych przedstawiających różne zwierzęta, przypominające malowidła naskalne. Był także rzeźbiarzem i działał w stylu ekspresjonizmu, rzeźbiąc na zamówienie nagrobki. Joseph Beuys zmarł w 1986 roku w Düsseldorfie.

Francesco Clemente

Innym znanym na całym świecie przedstawicielem stylu „postmodernizmu” w malarstwie jest włoski artysta Francesco Clemente. Urodził się w Neapolu w 1952 roku. Pierwsza wystawa jego prac odbyła się w Rzymie w 1971 roku, gdy miał 19 lat. Artysta dużo podróżował, odwiedzał Afganistan, Indie. Jego żona była aktorką teatralną. Francesco Clemente uwielbiał Indie i odwiedzał je bardzo często. Zakochał się w kulturze tego kraju tak bardzo, że współpracował nawet z indyjskimi miniaturzystami i rzemieślnikami z papieru - malował miniatury gwaszem na papierze czerpanym. Sławę przyniosły artyście obrazy przedstawiające erotyczne wizerunki często okaleczonych części ludzkiego ciała, wiele jego kreacji zostało wykonanych przez niego w bardzo bogatej kolorystyce. Na początku lat 80. XX w. namalował cykl, w latach 90. XX w. zaczął pracować w nowej dla siebie technice – woskowym fresku. Prace F. Clemente brały udział w wielu wystawach w różnych krajach. Jego najbardziej przekonujące prace to te, w których przekazuje swój nastrój, udrękę psychiczną, fantazje i hobby. Jedna z jego ostatnich wystaw odbyła się w 2011 roku. Francesco Clemente nadal mieszka i pracuje w Nowym Jorku, ale często odwiedza Indie.

Sandro Chia

Kolejny reprezentujący postmodernizm w malarstwie. W tym artykule pokazano zdjęcie jednej z prac Sandro Chia.

Jest nie tylko artystą, jest także grafikiem i rzeźbiarzem. Sława przyszła do niego w latach 80-tych XX wieku. Sandro Chia urodził się we Włoszech w 1946 roku. Kształcił się w rodzinnym mieście Florencji. Po studiach dużo podróżował, szukając idealnego miejsca dla siebie, w wyniku poszukiwań w 1970 roku zamieszkał w Rzymie, a w 1980 roku przeniósł się do Nowego Jorku. Teraz S. Kia mieszka w Miami lub w Rzymie. Prace artysty zaczęły być wystawiane zarówno we Włoszech, jak iw innych krajach - w latach 70-tych. Sandro Chia ma swój własny artystyczny język, który jest przepełniony ironią. W jego pracach jasne nasycone kolory. Wiele z jego obrazów przedstawia postacie męskie o heroicznym wyglądzie. W 2005 roku prezydent Włoch nagrodził Sandro Chia za wkład w rozwój kultury i sztuki. Ogromna liczba obrazów artysty znajduje się w muzeach w Niemczech, Japonii, Szwajcarii, Izraelu, Włoszech i innych krajach.

Mimmo Paladino

Włoski artysta postmodernistyczny. Urodzony w południowej części kraju. Absolwent Kolegium Sztuk Pięknych. W odrodzeniu sztuk pięknych w latach 70. grał jedną z głównych ról. Pracował głównie w technice temperowego fresku. W 1980 roku w Wenecji jego prace po raz pierwszy zostały zaprezentowane na wystawie, wśród obrazów innych artystów postmodernizmu. Wśród nich były takie nazwiska jak Sandro Chia, Nicola de Maria, Francesco Clemente i inni. Rok później Muzeum Sztuki w Bazylei zorganizowało osobistą wystawę obrazów Mimmo Paladino. Potem było jeszcze kilka osobowości w innych.Oprócz malarstwa, artysta był rzeźbiarzem.

Pierwsze prace wyrzeźbił w 1980 roku. Jego rzeźby niemal natychmiast zyskały popularność. Były wystawiane w Londynie i Paryżu w najbardziej prestiżowych salach. W latach 90. Mimmo stworzył cykl 20 białych rzeźb wykonanych techniką mieszaną. Artysta otrzymał tytuł honorowego członka Royal Academy of Art w Londynie. M. Paladino jest także autorem scenografii do spektakli teatralnych w Rzymie i Argentynie. Malarstwo w życiu Mimmo odegrało wiodącą rolę.

Historia powstania postmodernizmu w sztuce:

Postmodernizm był wynikiem negacji negacji. Kiedyś modernizm odrzucił sztukę klasyczną, akademicką i zwrócił się ku nowym formom sztuki. Jednak po latach sam stał się klasykiem, co doprowadziło do odrzucenia tradycji modernizmu i pojawienia się nowego etapu rozwoju artystycznego w postaci postmodernizmu, który zapowiadał powrót do form i stylów przedmodernistycznych na nowy poziom.

Postmodernizm (franc. postmodernisme – po modernizmie) to termin oznaczający strukturalnie podobne zjawiska w światowym życiu społecznym i kulturze drugiej połowy XX wieku: służy do scharakteryzowania zespołu stylów w sztuce.

Postmodernizm- stan kultury nowoczesnej, do której należy przed-post-nieklasyczny paradygmat filozoficzny, przed-postmodernistyczna sztuka, a także kultura masowa tej epoki.

Na początku XX wieku klasyczny typ myślenia epoki nowożytnej zmienia się na nieklasyczny, a pod koniec stulecia na post-nieklasyczny. Aby naprawić mentalną specyfikę nowej ery, która radykalnie różniła się od poprzedniej, potrzebny jest nowy termin. Obecny stan nauki, kultury i społeczeństwa jako całości w latach 70. ubiegłego wieku scharakteryzował J.-F. Lyotard jako „stan ponowoczesności”. Pojawienie się postmodernizmu nastąpiło w latach 60. i 70. XX wieku. XX wieku wiąże się i logicznie wynika z procesów epoki nowożytnej jako reakcja na kryzys jej idei, a także na tzw. śmierć superfundamentów: Bóg (Nietzsche), autor (Bart), człowiek (ludzkość).

Cechy postmodernizmu w sztuce:

Ukształtowany w dobie dominacji technologii informacyjno-komunikacyjnych, wiedzy teoretycznej, szerokich możliwości wyboru dla każdego, postmodernizm nosi piętno pluralizmu i tolerancji, co w manifestacji artystycznej zaowocowało eklektyzmem. Jego cechą charakterystyczną było ujednolicenie w ramach jednego dzieła stylów motywów figuratywnych i technik zapożyczonych z arsenału różnych epok, regionów i subkultur. Artyści posługują się alegorycznym językiem klasyki, baroku, symboliką starożytnych kultur i pierwotnych cywilizacji, tworząc na tej podstawie własną mitologię, skorelowaną z osobistymi wspomnieniami autora. Prace postmodernistów stanowią przestrzeń gry, do której istnieje swobodny przepływ znaczeń - ich narzucania, przepływu, skojarzeniowego połączenia. Ale włączając w swoją orbitę doświadczenie światowej kultury artystycznej, postmoderniści czynili to za pomocą żartów, groteski, parodii, szeroko posługując się technikami artystycznego cytatu, kolażu i powtórzenia.

Podążając drogą swobodnego zapożyczania z już istniejących i istniejących systemów sztuki, postmodernizm niejako zrównuje je w prawach, znaczeniu i aktualności, tworząc jedną globalną przestrzeń kulturową obejmującą całą historię duchowego rozwoju ludzkości.

Mistrzowie postmodernizmu:

Sandro Chia, Francesco Clemente, Mimo Paladino, Carlo Maria Mariani, Ubaldo Bartolini, Luigi Ontani, Omar Galliani, Nicola de Maria i inni.

Przykłady obrazów i rzeźb w stylu postmodernizmu: